glasba

Odprte ali zaprte oči med nastopom?

Ali glasbeniki boljše na nastopu igrajo z odprtimi ali zaprtimi očmi?

Se vam je že zgodilo, da ste se med igranjem osredotočili na to, kako vaši prsti dosledno sledijo vnaprej naučenim gibalnim vzorcem in se vprašali: “Kako mi to sploh uspeva?!” Ali pa so vam oči zatavale v publiko, kjer ste po naključju ujeli pogled neznanca, kar vas je povsem zmotilo?

Številni glasbeniki pogosto igrajo z zaprtimi očmi, kar lahko deluje kot vizualni prikaz njihove povezanosti z glasbo. Vendar pa ostaja vprašanje ali to dejansko prispeva k boljši izvedbi ali gre zgolj za izraz umetniške interpretacije? Poglejmo, kaj pravi raziskava.

Raziskava vpliva zaprtih oči na spomin in koncentracijo

Raziskava, ki so jo izvedli na Univerzi v Wisconsinu (Glenberg et al., 1998), je proučevala povezavo med preučuje povezavo med kognitivnimi nalogami (težavnostjo nalog) in gibanjem oči.

V eni izmed študij je 19 študentov odgovarjalo na 30 vprašanj iz 10 tematskih področij, kjer so imeli 10 sekund časa za odgovor.

Za vsako področje so bila zastavljena tri vprašanja: eno za kratkoročni, drugo za srednjeročni in tretje za dolgoročni spomin.

Raziskovalci so opazovali, ali so udeleženci pogledali stran od raziskovalca ali vprašanja ter ali so zaprli oči.

V nadaljevalni študiji je 29 udeležencev odgovarjalo na 30 vprašanj iz splošnega znanja in 30 matematičnih vprašanj. Podobno kot v prejšnji študiji so bila vprašanja razdeljena na enostavna, srednje težka in težka z razliko, da so udeležencem dali specifična navodila o tem, kaj naj počnejo z očmi.

Pri polovici vprašanj so jih prosili, naj rešujejo vprašanja ali rešijo matematične naloge s zaprtimi očmi. Pri drugi polovici so jih prosili, naj razmišljajo ali rešujejo naloge, medtem ko gledajo v nos raziskovalca, da bi zagotovili, da imajo oči odprte.

Torej… ali je bilo kakšno izboljšanje uspešnosti, če so bile oči zaprte?

Rezultat

Ugotovili so, da bolj kot je bilo vprašanje zahtevno, bolj pogosto so udeleženci odvrnili pogled ali zaprli oči:

  • Pri enostavnih vprašanjih so pogled odvrnili v 37 % primerov.
  • Pri srednje težkih vprašanjih v 40 % primerov.
  • Pri najtežjih vprašanjih pa kar v 53 % primerov.

V nadaljnji raziskavi so udeležencem naročili, naj rešujejo matematične in splošnokulturne naloge, pri čemer so morali pri nekaterih vprašanjih zapreti oči, pri drugih pa imeti pogled osredotočen na eksperimentatorjev nos.

Rezultati so pokazali, da so udeleženci dosegli boljše rezultate pri nalogah, ki so jih reševali z zaprtimi očmi. Raziskovalci so to pripisali zmanjšanju motečih vplivov iz okolice, saj zapiranje oči pomaga posameznikom, da se odklopijo od zunanjih dražljajev, kar izboljša učinkovitost kognitivnega procesiranja. 

Ta ugotovitev kaže, da lahko zapiranje oči med zahtevnimi kognitivnimi nalogami olajša osredotočanje in izboljša učinkovitost reševanja nalog.

Več podrobnosti o sami raziskavi si lahko preberete tukaj.

Stanje ‘Flow” – vseobsegajoče zlitje prostora in časa

Igranje z zaprtimi očmi lahko pomaga pri hitrejšem doseganju stanja flow, kjer se vsi performativni aspekti – racionalni, osebno-identitetni, tehnični, muzikalni in čustveni – zlijejo v eno celostno in nad prostorsko-časovno izkušnjo.

Zapiranje oči zmanjša zunanje motnje in omogoči boljšo koncentracijo in hitrejše doseganje stanja ‘Flow’.

Vendar pa lahko zanašanje zgolj na zaprte oči brez ostalih aspektov vaje in treninga med igranjem privede tudi neprijetnosti, kjer lahko nastane (pre)hiter prelom med trenutnim željenim in notranjim doživljanjem ter (pre)močnimi realnimi stimulansi zunanjega sveta.

V tem primeru svetujemo celostno namensko vajo in eksperimentiranje z igranjem s pol-odprtim očmi, kjer poiščemo zase idealno razmerje med notranjim fokusom in dotokom dražljajev iz zunanjega sveta.

Na odru se lahko v hipu znajdemo v povsem drugačnem okolju, kot smo ga vajeni iz vadbene sobe, zato je ključno v svojo vadbeno rutino vključiti tudi načrtno izpostavljenost različnim scenarijem, ki se lahko zgodijo med samim nastopom.

Zaključek

Vsak glasbenik je edinstven, zato je ključno, da vsak posameznik preizkusi različne pristope igranja in ugotovi, kaj mu najbolj ustreza. Zapiranje oči lahko izredno pomaga pri večji osredotočenosti, izboljša spomin in pripomore pri hitrejšem doseganju stanja ‘flow’. Vendar je pomembno, da ta način in pristop k odrskemu nastopu vadimo, ga vizualiziramo v naprej in s tem to željeno stanje prikličemo.

Zakaj imajo godala takšne zvočnice?

Pred zvočniki so bile zvočnice

Pred iznajdbo električnih ojačevacev zvoka (zvočnikov) so morali izdelovalci glasbil in glasbeniki poiskati inovativne načine, da akustični zvok inštrumentov prodrel skozi širše orkestrske sestave, ansamble in velike, ter mestoma hrupne dvorane. Mnogi akustični instrumenti, ki jih danes poznamo – od kitare, violončela, viole in seveda violine – so rezultat stoletij raziskav, poskusov in izboljšav, katerih osnovni cilj je bil povečati glasnost in omogočiti, da zvok inštrumenta napolni še tako veliko dvorano do zadnjega sedeža avditorija.

Pri mnogih akustičnih instrumentih se zvok strun ojača v votli resonančni komori, nato pa razširi v prostor. Pri kitari se to doseže z okroglo zvočno odprtino, medtem ko se godala ponašajo z elegantnimi zvočnicami ali f-odprtinami, ki dajejo godalom še posebej prefinjen in prepoznaven klasično eleganten izgled.

Ampak ni vse v izgledu. Zakaj prav zvočnice v obliki črke f? So bile ustvarjene zaradi estetike ali funkcionalnosti? Kako so postale nepogrešljiv del godal, kot jih poznamo danes?

Čeprav bi morda pomislili, da so zvočnice le estetski preostanek renesančnega umetnosti, so v resnici veliko več kot to. Gre za izjemno premišljeno obliko, ki je skozi stoletja izpopolnjena do te mere, da postavlja temelje za akustične lastnosti violine, ki so ji omogočile, da se ohrani kot ena izmed najprepoznavnejših glasbenih instrumentov. S svojo specifično obliko in postavitvijo omogočajo boljšo resonanco, s čimer ustvarijo bogat, poln in jasen zvok.

Te odprtine so se razvile iz preprostih okroglih lukenj, a so se skozi stoletja, z natančno raziskavo in obvladovanjem materialov, preoblikovale v zvočnice. Takšna oblika omogoča večji nadzor nad zračnim tokom v notranjosti telesa violine, hkrati pa pripomore k bolj uravnoteženemu širjenju zvoka, kar je še posebej pomembno pri glasbenih delih, ki zahtevajo večjo moč in jasnost zvoka.

Da bi razumeli popolnost te oblike, moramo upoštevati, kako je vsakršna ukrivljenost in velikost zvočnic natančno usklajena z resonančno lastnostjo samega instrumenta. Vsaka majhna sprememba v velikosti ali postavitvi lahko spremeni način, kako se zvok odbija od notranjih površin instrumenta, kar posledično vpliva na glasnost, barvo in resonanco zvoka.

Zvočnice niso zgolj del tradicije, temveč so rezultat neštetih poskusov. Tako je skozi stoletja ta oblika postala sinonim za akustično popolnosti godal, ki je preživela mnogo tehničnik in oblikovalskih izzivov ter se ohranila kot eden najbolj prefinjenih prepoznavnih delov in vizualnih simbolov v zgodovini glasbe.

Kako so nastale?

Razvoj zvočnic na violini je bil dolg in zapleten proces. Zgodnji inštrumenti so imeli preproste okrogle odprtine, ki so se sčasoma razvijale v polmesečne in nato c-oblike.

Ena izmed teorij o nastanku zvočnic pripisuje razvoj te oblike družini Amati, ki naj bi jo oblikovala v 16. stoletju po opazovanju mandarinskih lupin, vendar je bolj verjetno, da so inštrumentni mojstri tega obdobja skozi dolgoletne eksperimente prišli do oblike, ki je najbolje prenašala zvok. Študija Nicholasa Makrisa z MIT-a dokazuje, da so zvočnice dvakrat učinkovitejše pri oddajanju zvoka kot njihove predhodnice.

Od 10. do 18. stoletja so se zvočne odprtine violine in njenih predhodnic razvijale od preprostih krogov do bolj podolgovatih f-odprtih.

Zvočnica kot naravna evolucija

Raziskave Nicholasa Makrisa in njegove ekipe razkrivajo, da je oblika zvočnic rezultat naravne evolucije, kjer so spremembe nastajale postopoma. Nepričakovane spremembe pri izdelavi in posnemanje prejšnjih modelov so privedli do izboljšav. Dolge, elegantne krivulje so se izkazale za učinkovite tako zvočno kot estetsko.

Mojstri, kot so Amati, Stradivari in Guarneri, so ugotovili, da dolge in elegantno ukrivljene odprtine niso le estetski dodatek, ampak bistveno izboljšujejo zvočne lastnosti. Z eksperimentiranjem so odkrili, da zvočnica poveča resonanco in moč zvoka. Po prepoznanju njenega potenciala so se izdelovalci osredotočili na izboljšanje in izpopolnjevanje te oblike. Tako je zvočnica postala simbol akustičnega preporoda ter rezultat stoletij inovacij in tradicije.

Zakaj so zvočnice tako učinkovite?

Učinkovitost zvočnic temelji na dveh ključnih lastnostih – povečanju dolžine oboda in ohranitvi kompaktnosti. Daljše in podolgovate odprtine lahko oddajo več zvoka brez potrebe po večjem inštrumentu. Njihova oblika omogoča optimalen prenos vibracij iz resonančnega telesa v okolico.

Zvočnice so energetsko optimizirana zasnova, ki združuje znanost, umetnost in izjemno pozornost do detajlov. Eksperimentiranje je pokazalo, da spremembe v obliki zmanjšujejo akustično učinkovitost, kar dokazuje briljantnost izvorne zasnove.

Zvočnica je tako mnogo več kot le arhitekturni element godal – je simbol popolne harmonije med znanostjo, umetnostjo in naravno evolucijo glasbenega izraza.

Izdelovalec violin Sam Zygmuntowicz raziskuje akustiko oblikovanja f-odprtine s pomočjo slik iz študije Strad3D z laserskim skeniranjem.

Zvočnice: Simbol akustične popolnosti

Zvočnice niso le estetski detajl, temveč rezultat stoletij raziskovanja. Omogočajo bogat in prodoren zvok, hkrati pa ohranjajo eleganco inštrumenta. Zvočnice predstavljajo popolno sinergijo znanosti in umetnosti – subtilen, a ključen element, ki je violino dvignil do statusa ene najbolj prepoznavnih in dovršenih glasbenih inštrumentov v zgodovini.

Za tiste, ki jih zanima globlji vpogled, raziskave Nicholasa Makrisa in njegove ekipe razkrivajo matematične in fizikalne zakonitosti, ki stojijo za učinkovitostjo in tudi brezčasno lepoto, ki vedno znova očara. Naj si bo ob dotiku ali zvenu teh brezčasnih glasbenih umetnin! ♡

10 najpogosteje predvajanih klasičnih božičnih skladb

Praznični čas že stoletja spremlja glasba, ki nosi v sebi bogato tradicijo, kulturno dediščino ter ustvarja univerzalno praznično vzdušje, ki naslavlja tudi duhovno plat življenja. Klasične božične pesmi niso zgolj ozadje zvokov, ampak so ključni del prazničnih ritualov, ki povezujejo in navdušujejo širom sveta.

10. E. Elgar: Božični pozdrav

Božični pozdrav (Christmas Greeting) delo napisano leta 1901 s strani britanskega skladatelja Edwarda Elgarja, je bilo prvotno napisano za solistični glas in orkester, a kasneje so nastale tudi različice za različne sestave. Elgar je skladbo ustvaril kot del božičnega darila za svoje prijatelje in bližnje, zato ima osebni značaj in intimno naravo. Božični pozdrav ni bil predviden za širšo publiko, temveč je bil dejansko poslan kot osebna in topla gesto, vendar je kasneje postal priljubljen na božičnih koncertih. Delo se odlikuje po svoji nežni melodiji in prazničnem vzdušju, ki poudarja čarobnost božičnega časa.

9. F. Liszt: Božično drevo

Božično drevo (Weihnachtsbaum) je zbirka 12 skladb, ki jih je Franz Liszt skomponiral leta 1871. Delo je bilo napisano v času, ko je Liszt živel v Weimarju in je bilo ustvarjeno kot darilo za prijatelja, češkega skladatelja Josefa Dumba. Zbirka je sestavljena iz pesmi, koledov, improvizacij in duhovnih skladb, ki so vse povezane z božičem, vendar niso tipična tradicionalna božična dela. Božično drevo ni le estetska obravnava božičnih tem, temveč tudi virtuozna in tehnično zahtevna zbirka, ki izkazuje Lisztovo mojstrstvo v pisanju za klavir. Liszt je v tem delu uporabljal raznolike glasbene tehnike, od klasičnih melodij do novatorskih harmonij, ki so vplivale na razvoj klavirske glasbe.

8. H. Berlioz: L’Enfance du Christ 

Berlioz – L’Enfance du Christ (Otroštvo Kristusa) je oratorij, ki ga je Hector Berlioz skomponiral med leti 1850 in 1854. Delo je bilo premierno izvedeno 10. decembra 1854 v Parizu, in sicer v okviru cerkvenega koncerta, čeprav ni bilo namenjeno za cerkvene liturgije. L’Enfance du Christ je bilo Berliozovo prvo veliko oratorijsko delo, ki se je odlikovalo z bogato orkestracijo in dramatičnim pristopom, ki je bil v nasprotju z bolj tradicionalnimi pristopi k božičnim temam. Delo je danes cenjeno zaradi svoje čustvene globine in glasbene kompleksnosti.

7. S. Prokofiev: Troika

“Troika” iz Poročnika Kijé (Op. 60) je skladba, ki jo je Sergej Prokofjev skomponiral leta 1933 kot del glasbe za sovjetski film Poročnik Kijé. Film je temeljil na zgodbi o neobstoječem vojaku, ki zaradi birokratske napake postane legenda. “Troika” opisuje veselo vožnjo s sankami po zasneženem okraju, z živahnim ritmom, ki posnema zvok trojke (sanke z vlečnimi konji). Čeprav je bila prvotno napisana za filmsko glasbo, je skladba postala priljubljena kot samostojna orkestralna izvedba.

6. L. Anderson: Vožnja s sanmi

Vožnja s sanmi (“Sleigh Ride”), napisana leta 1948 s strani ameriškega skladatelja Leroya Andersona, prvotno kot orkestralna skladba, vendar je kasneje postala priljubljena tudi v številnih vokalnih izvedbah, še posebej po tem, ko so ji dodali besedilo. Anderson je to skladbo ustvaril kot del zbirke, ki je vključivala različne praznične in veselo-tematske skladbe.

5. A. Corelli: Božični koncert Op. 6, št. 8

Corellijev Božični koncert (Concerto Grosso Op. 6, No. 8) je bil napisan leta 1714 in je del njegove zbirke Concerto Grosso Op. 6, ki vsebuje 12 koncertov. Ta koncert je posebej znan kot “Natale” ali “Božični koncert”, saj se pogosto izvaja med božičnimi prazniki zaradi svoje svečane in veselo-duhovne narave. Corelli je v tem delu združil baročni stil concerto grosso z bogato orkestracijo in harmonijami, ki ustvarjajo praznično vzdušje. Kljub temu, da je bil napisan pred več kot 300 leti, ostaja priljubljen zaradi svoje klasične lepote in prazničnega duha.

4. P. I. Čajkovski: Hrestač

Čajkovskijev “Hrestač” (op. 71) je bil napisan leta 1892 in premierno izveden 18. decembra v Carigradu (današnji Sankt Peterburg). Gre za balet, ki temelji na zgodbi E.T.A. Hoffmanna o deklici Klari, ki v božičnem večeru doživi čarobno pustolovščino. “Hrestač” je bil prvotno slabo sprejet, vendar je danes nepogrešljiv del baletnega repertoarja. Čajkovski je za to delo ustvaril eno svojih najbolj prepoznavnih glasbenih partitur, vključno s slavnim“Sugar Plum Fairy” in “Dance of the Sugar Plum Fairy”.

3. A. Vivaldi: Gloria

Vivaldijeva “Gloria in D Major” (RV 589) je bila napisana okoli leta 1715, verjetno med Vivaldijevim obdobjem dela v cerkvi Santa Maria della Pietà v Benetkah. Gloria je eno najbolj priljubljenih Vivaldijevih cerkvenih del in je sestavljeno iz dvajsetih delov, vključno z veličastnimi zborovskimi in solističnimi deli. Gloria je bilo pozabljeno skoraj dva stoletja, preden je bilo ponovno odkrita v 20. stoletju, ko je postalo eno najbolj izvedenih del klasične cerkvene glasbe.

2. J. S Bach: Božični oratorij

Bach je v tem delu izjemno združil dramatiko in cerkveno glasbo, saj je uporabil vokalne in instrumentalne elemente, ki so bili bolj značilni za oratorije tistega časa, čeprav je delo obdržalo tudi izrazite cerkvene prvine. Oratorij je postal priljubljen zaradi svoje čustvene globine, veličastne orkestracije in izjemne harmonije med solisti in zborom.Bachov Božični oratorij (Weihnachts-Oratorium), BWV 248, je bil napisan leta 1734 v Leipzigu. Oratorij je bil prvotno komponiran za božične praznike in izveden v šestih delih, med 25. decembrom 1734 in 6. januarjem 1735, ob različnih cerkvenih službah.

1. G. F. Handel: Mesija

Oratorij Mesija je eno najpomembnejših del klasične glasbe, ki ga je skladatelj George Frideric Handel ustvaril leta 1741. Delo je nastalo v času, ko je Handel iskal novo glasbeno formo, s katero bi predstavili verske teme širšemu občinstvu in je bilo premierno izvedeno leta 1742 v Dublinu, kasneje pa je postalo priljubljeno tudi v Londonu. Najbolj znana skladba iz oratorija je “Hallelujah Chorus”. Handel je Mesijo napisal v rekordnem času – v samo 24 dneh. Zaradi svoje duhovne vsebine in glasbene moči je Mesija ostal priljubljen in pogosto izvajani del klasične glasbe.

Božična glasba je nekaj, kar nas vse povezuje in ustvarja nepozabno praznično vzdušje, ki je polno topline, radosti in miru. Klasične božične skladbe nas s svojo lepoto popeljejo skozi čas in nas spomnijo na prave vrednote tega obdobja. Upamo, da smo vam predstavili tudi nekaj novih skladb na tem seznamu in da boste uživali v njihovih harmonijah v tem prazničnem času.